Crítica: Nina Roza (2026)

Escolhido pelo Canadá para representar o país na próxima edição do Óscar de Melhor Filme Internacional, Niza Roza é um filme muito sensível que fala a respeito da imigração, mas de uma maneira diferente do que temos visto no cinema recentemente. Enquanto muitos filmes abordam a dificuldade dos imigrantes nas travessias ou no processo de adaptação a um novo lugar diante do preconceito e da falta de oportunidades, a obra dirigida por Geneviève Dulude-De-Celles apresenta aquilo que acontece depois da assimilação cultural, sobretudo quando já se passaram décadas vivendo em outro país, longe da família e da terra natal.

O longa acompanha Mihail (Galin Stoev), um curador de arte búlgaro, que há quase 30 anos mora no Canadá com sua filha Roza (Michelle Tzontchev). Por uma dessas reviravoltas no destino, ele recebe a missão de voltar ao país natal para confirmar a veracidade das pinturas de uma criança prodígio de oito anos, cujos vídeos criando suas obras viralizaram na internet. Trata-se de Nina (Sofia Stanina), que vive em um pequeno vilarejo no interior da Bulgária com a mãe e que, graças ao seu talento, está tendo suas pinturas avaliadas por grandes curadores do mundo todo. Entre eles, uma mulher que pretende levá-la para morar na Itália.

A viagem de Mihail, que inicialmente tinha como único objetivo autenticar o trabalho da pequena artista, acaba se revelando muito menos sobre arte e muito mais sobre o próprio passado do protagonista. Sobre aquilo que perdeu, o que deixou para trás. O roteiro ilustra muito bem o impacto emocional que esse retorno às origens provoca no personagem, assim como as marcas que um processo migratório pode deixar naqueles que optam por esse caminho, seja por vontade própria ou por necessidade.

Um dos momentos de maior impacto para mim acontece justamente quando Mihail reencontra sua irmã, depois de três décadas sem se falarem. Naturalmente, existe uma alegria genuína em ambos por perceberem que estão bem, com saúde e vivos. Porém, ao mesmo tempo, há uma estranheza difícil de ignorar. Mais do que a saudade dos tempos em que conviviam durante a infância, o reencontro desperta um sentimento muito mais complexo. Ao descobrir que a irmã tem filhos e netos, nenhum deles conhecido por ele, Mihail se percebe como um estranho dentro da própria família. É como se não soubesse exatamente o que está fazendo naquele lugar que, apesar de ter sido seu lar um dia, já não lhe pertence da mesma maneira.

Galin Stoev traduz muito bem essas sensações do protagonista, sem jamais cair no melodrama. Seu personagem consegue até mesmo apresentar momentos cômicos em meio à melancolia, como na cena em que chega ao vilarejo e um dos moradores comenta que ele "pensa de maneira francesa". É o sabor amargo de perceber que, mesmo estando no lugar onde nasceu, aqueles que hoje vivem ali conseguem identificar de longe suas diferenças culturais. Com uma direção muito segura, Nina Roza encontra o tom certo para abordar temas como identidade, luto, assimilação cultural e, principalmente, o peso de deixar o próprio lar para construir uma vida em outro país. Algo que agora a pequena Nina, que ainda não tem idade para compreender a dimensão dessa escolha, está prestes a enfrentar.

Crítica: Amor Possível (2026)

A luta de classes existe, e ela reside no cinema sul-coreano. Nos últimos anos, uma leva de filmes produzidos no país chamou a atenção para os efeitos de uma sociedade profundamente marcada pela desigualdade social, e o mais memorável deles talvez seja Parasita, que construiu uma linda história ao vencer o Óscar de melhor filme em 2020. Mais recentemente, tivemos outro ótimo exemplo como o visceral A Única Saída, dirigido por Park Chan-wook, que também mostrava o desespero de um homem levado ao limite pelas tensões econômicas. Amor Possível (Possible Love), lançado diretamente no catálogo da Netflix, marca o retorno do diretor Lee Chang-dong após oito anos desde o aclamado Em Chamas, e apresenta, de maneira sensível, como o desequilíbrio financeiro pode impactar as relações humanas.

A trama começa nos apresentando ao casal Mi-ok (Jeon Do-yeon) e Ho-seok (Sul Kyung-gu) que, junto do filho pequeno, estão se arrumando para um velório. Mi-ok é funcionária de uma fábrica de máscaras cirúrgicas, enquanto Ho-seok é um soldador que está desempregado desde que a empresa onde trabalhava foi comprada por investidores estrangeiros, que decidiram fazer uma reestruturação. Na ocasião, ambos participaram de uma grande greve dos trabalhadores, que uniu as famílias de todos em busca dos seus direitos. O evento deixou marcas profundas no casal, sobretudo em Ho-seok, que foi violentamente atacado após uma dura repressão policial.

Dois anos se passaram, mas Ho-seok ainda carrega as consequências físicas e psicológicas deste acontecimento. Mi-ok chega a descrevê-lo como um fantasma dentro de casa, e é quase dessa maneira que ele vem levando a vida desde então, como se a perda do emprego, da autonomia e até mesmo da capacidade de projetar um futuro tivesse levado embora toda a sua vontade de viver. O diretor acerta em cheio ao transformar a angústia do personagem em um questionamento muito pertinente nos dias de hoje: qual é a nossa identidade para além do trabalho? Afinal, vivemos em um mundo no qual somos frequentemente reconhecidos pelo que fazemos para ganhar dinheiro, e não necessariamente por aquilo que somos.

Nesse cenário, a vida dos dois se cruza com a de Lee Ye-ji (Cho Yeo-jeong), uma documentarista que está tentando tirar do papel um projeto sobre as demissões em massa e o impacto que elas provocam na vida das famílias dos trabalhadores. Ela encontra no casal a história que procurava e passa a registrar seu cotidiano com a ajuda de uma equipe de filmagem. Ho-seok demonstra resistência e evita conceder entrevistas, enquanto sua esposa parece mais entusiasmada com a ideia, talvez enxergando nela uma oportunidade de buscar justiça e, quem sabe, fazer com que o marido volte a ser o homem que era antes.

Ye-ji é casada com Sang-woo (Zo In-sung), um homem rico, de família abastada, que mantém negócios nos Estados Unidos e proporciona uma vida extremamente confortável aos dois. Mesmo sem precisar, ele ajuda a esposa nas gravações, tornando-se um braço direito dela. Inevitavelmente, a dinâmica entre os dois casais, oriundos de realidades muito distintas, acaba se entrelaçando, revelando que a distância entre eles não se resume apenas à questão financeira. Aos poucos, o roteiro também passa a questionar as verdadeiras intenções de Ye-jin com o documentário. Afinal, por mais que tente se aproximar dos trabalhadores de maneira bastante humana, ela nunca vivenciou de fato aquela realidade. Seu gesto é realmente sincero ou ela está apenas utilizando a dor alheia como matéria-prima para seu projeto? Sua postura, por vezes invasiva, faz com que essa dúvida permaneça no ar.

Logo no início do filme, o décimo mandamento, "Não cobiçarás", aparece na tela, e esse princípio acaba norteando toda a narrativa de Lee Chang-dong. Quando vemos o choque de realidades na tela, pensamos que Mi-ok teria todos os motivos para sentir inveja daquela que está lhe entrevistando, com suas bolsas e roupas de grife. No entanto, algo muito peculiar acontece: Ye-ji também sente uma certa inveja de sua entrevistada ao descobrir que ela possui riquezas que o dinheiro não pode comprar. É justamente nessa inversão de expectativas e nessa ambiguidade de sentimentos que o filme talvez encontre sua maior força.

O "amor possível" do título talvez venha do fato de que Mi-ok e Ho-seok não podem se dar ao luxo de buscar outra forma de amor, como aquela que aparentemente existe entre o casal que conhecem no meio do caminho. Ainda assim, o afeto que compartilham parece suficiente para superar barreiras que vão muito além das econômicas, sobretudo quando ambos deixam de projetar um no outro as expectativas que alimentam sobre um relacionamento perfeito. A cena final é de uma poesia ímpar e deixa claro que a lua brilha no céu para todos da mesma maneira, mesmo quando a vida está difícil e parece impossível parar por alguns instantes para admirá-la. Um dos filmes mais bonitos do ano.

Crítica: Primetime (2026)

Exibido entre os anos de 2004 e 2008, To Catch a Predator foi um reality show apresentado dentro do Dateline NBC, que rapidamente se tornou um fenômeno de audiência. Conduzido por Chris Hansen, a proposta do programa era utilizar armadilhas para atrair e desmascarar pedófilos diante das câmeras. Com a ajuda das autoridades policiais, muitos desses homens acabavam presos, mas a exposição das imagens e o tom considerado sensacionalista fizeram com que o programa recebesse críticas mistas, sobretudo em relação às questões éticas.

Primetime, primeiro longa de ficção dirigido por Lance Oppenheim, mais conhecido por seus documentários investigativos, se propõe a mostrar os bastidores do reality e explorar a figura controversa de Hansen, interpretado brilhantemente por Robert Pattinson. Logo de cara, o que mais chama a atenção no filme é o seu visual, com cores borradas e uma atmosfera que remete às gravações caseiras em VHS. Isso não apenas reforça a sensação de estarmos assistindo algo filmado naquela época, como também ajuda a construir o clima perturbador que a primeira cena já apresenta, quando o primeiro pedófilo é capturado pela equipe em uma situação extremamente comprometedora.

Por mais que aparentemente existissem boas intenções por trás do programa, seus produtores demonstravam uma sede insaciável de sucesso, estando dispostos a tudo para alcançá-lo. Quando o reality começa a ganhar proporções maiores do que o espaço que ocupava na emissora, os executivos decidem lhe conceder o horário nobre, colocando-o na disputa por audiência com a série de TV do momento: Lost. Em busca de números cada vez maiores, eles resolvem tentar pegar uma figura importante do país, cuja captura causaria um choque de repercussões inimaginável. No entanto, é justamente esta ambição que coloca em xeque a continuidade do programa, após um desfecho desastroso.

Robert Pattinson é o grande nome do filme, e demonstra mais uma vez a versatilidade que o transformou em um dos melhores atores da atualidade. Seu personagem é cínico e moralmente ambíguo, características que o ator sustenta com maestria. Merritt Wever também está muito bem na pele de Andie Bender, a produtora inescrupulosa do programa. Outro personagem emblemático é Dan Plumb (Skyler Gisondo), um jovem ator promissor, que aceita trabalhar como "isca" no programa. Por questões judiciais, o reality não utilizava crianças nas armadilhas, mas atores adultos que conseguiam se passar por elas. E Dan viu nisso a grande chance de alavancar sua carreira.

O diretor constrói uma sátira midiática, mostrando como programas jornalísticos sensacionalistas frequentemente se pautam mais pelos lucros e pela audiência do que por aquilo que importa de verdade: combater o que está errado. A ideia inicial, de expor homens envolvidos em crimes repugnantes, acaba se tornando um entretenimento de massa. A linha tênue entre abordar estes casos sob uma perspectiva jornalística séria ou simplesmente transformá-los em espetáculo de punição pública é muito mais estreita do que parece, e mesmo que os resultados sejam aparentemente satisfatórios, os métodos utilizados para alcançá-los podem ser bem questionáveis.

É justamente este o ponto crucial de Primetime: fazer o espectador refletir até que ponto é saudável transformar a busca por justiça em um passatempo televisivo. A cena final reforça essa crítica ao mostrar como programas dessa natureza podem transformar o crime em roteiro de entretenimento. Enquanto a operação desastrosa arruinou vidas e destruiu a reputação do programa e de seus principais responsáveis, outros conseguiram extrair da situação um inesperado benefício profissional para suas carreiras em Hollywood.

Crítica: Cartas Amarelas (2026)

Após uma tentativa de golpe de estado que ocorreu em julho de 2016, o governo turco de Recep Tayyip Erdogan iniciou uma caça às bruxas institucional, realizando expurgos em massa em universidades, órgãos públicos e companhias culturais, onde milhares de funcionários foram arbitrariamente demitidos sob acusações de manterem algum vínculo ideológico com os golpistas. Esse episódio serve como base para Cartas Amarelas (Gelbe Briefe), filme do diretor Ilker Çatak, que aborda o autoritarismo e a progressiva perda de liberdades que a sociedade turca vem enfrentando desde então.

Vencedor do Urso de Ouro de melhor filme no último Festival de Berlim, o filme acompanha o casal Derya (Özgü Namal) e Aziz (Tansu Biçer), que leva uma vida aparentemente tranquila na capital do país, Ancara, enquanto as notícias na televisão mostram que fora das suas quatro paredes as coisas estão bem caóticas. Derya é uma renomada atriz de teatro, enquanto Aziz é dramaturgo e professor universitário. Os dois colaboram nas peças escritas por Aziz, e demonstram um forte engajamento político redes sociais, embora sem grandes exposições públicas. Isso não seria problema se Derya, após uma apresentação teatral, não tivesse se negado a tirar uma foto com um político importante. Esta recusa acaba atraindo uma investigação do governo contra eles, durante a qual também vem à tona a informação de que Aziz teria incentivado seus alunos a participarem de uma manifestação política.

A trama toma novos rumos quando o casal e todos os seus colegas de profissão passam a receber as famosas cartas amarelas do governo, que anunciam suas demissões. Mais do que isso, Aziz também terá que responder perante um tribunal pelo suposto crime de insubordinação e incitação ao terrorismo. A perseguição política os obriga a se mudar para Istambul, levando junto a filha adolescente Ezgi (Leyla Smyrna Cabas). A partir de então, os dois precisam encontrar alternativas para reconstruirem suas vidas: Aziz passa a trabalhar como taxista, e a perda dos privilégios e do conforto que tinham antes, acaba inevitavelmente afetando a relação dentro de casa, trazendo à tona conflitos que até então permaneciam em segundo plano.

Sempre que a democracia começa a ruir em algum país, a classe artística e intelectual costuma estar entre as primeiras que sofrem os efeitos da repressão. O roteiro ilustra muito bem essa realidade, mas também não deixa de apontar a hipocrisia de uma parcela privilegiada da sociedade, que só parece despertar para os perigos do autoritarismo quando se torna vítima direta dele. Uma das cenas que melhor evidencia essa contradição acontece quando o casal é questionado sobre o motivo de só ter tomado conhecimento da gravidade da situação política do país naquele momento, e não antes, quando jovens e trabalhadores já estavam nas ruas lutando contra as injustiças.

Se a primeira metade do filme consegue transmitir com bastante eficiência a atmosfera sufocante e amedrontadora de uma sociedade submetida a um regime autoritário, a segunda passa a concentrar suas atenções nos conflitos internos e familiares dos protagonistas. O elemento que ainda mantém a história conectada à luta contra a opressão é a ideia de Aziz para uma peça de teatro clandestina e subversiva, que promete expor os métodos do regime. Afinal, em tempos de autoritarismo, a arte pode se tornar uma poderosa ferramenta de resistência, capaz de denunciar injustiças e provocar reflexões. Entretanto, ao final, Derya e Aziz acabam refletindo uma parcela da classe intelectual que, diante da ameaça, prefere fazer concessões para preservar aquilo que ainda lhes resta. Entre a sobrevivência da estrutura familiar e o compromisso com os ideais progressistas, eles optam pelo comodismo e pela omissão, simbolizando como o autoritarismo vence ao cansar e domesticar seus opositores.

Crítica: Love of Your Life (2026)

O luto é um tema tão abordado no cinema quanto o amor, mas quem disse que é possível separar um sentimento do outro? Em Love of Your Life, a diretora Rachel Morrison nos apresenta uma história que vai muito além do drama romântico, abordando, de maneira surpreendentemente madura, temas como perda, resiliência e, sobretudo, auto descoberta.

O longa acompanha sete anos na vida de Maya (Qualley), uma enfermeira de Boston que, em sua vida privada, sempre foi bastante reservada. Fora da rotina cansativa do hospital, ela mantém um hobby de restaurar móveis antigos, e é através desta atividade que ela conhece Charlie (Gabriel Basso), que a chama para sair após lhe vender uma pequena estante. A química entre os dois é imediata, apesar das personalidades distintas. Diferentemente de Maya, Charlie é cheio de vida, e essa convivência faz com que ela passe a enxergar o mundo sob uma nova perspectiva. Em apenas um ano, os dois se casam, dando início a uma relação que parece viver em uma eterna lua de mel.

Com o agravamento da pandemia em 2020, Maya passa a ter que trabalhar mais tempo no hospital e, mesmo tomando todos os cuidados possíveis, acaba contraindo o corona vírus e passando para Charlie, que por sua vez,  sofre de asma desde criança. Esse é o grande ponto de ruptura da história e, justamente por trazer à tona uma memória ainda tão viva em todos nós, também representa seu momento mais impactante. O desespero nas alas hospitalares, os hospitais de campanha, as máscaras e os equipamentos de proteção, e a agonia de testemunhar pessoas próximas sucumbindo à doença. Tudo é retratado com uma brutalidade impressionante, mas sem jamais soar exagerado ou apelativo.

A segunda parte do filme apresenta uma nova versão da mesma personagem. Sem aquele que lhe ensinou o verdadeiro significado do amor, Maya precisa reaprender a viver, talvez um dos maiores desafios para quem perdeu não apenas uma pessoa amada, mas também parte da própria vontade de seguir em frente. Maya decide abandonar tudo e partir rumo à Europa, sem avisar ninguém, onde passa a trabalhar com telemedicina para se sustentar. Nesse período, entrega-se às bebedeiras e ao sexo casual constante, prometendo a si mesma nunca mais se permitir amar. Mas, como o destino costuma pregar peças, ela encontra pelo caminho Felix (Aaron Pierre), e se vê diante da possibilidade de criar novos laços novamente mesmo carregando profundas feridas do passado.

O roteiro tem vários momentos previsíveis, mas a direção conduz a narrativa com bastante equilíbrio estes momentos, evitando cair em armadilhas comuns do gênero e dramatizar excessivamente a dor da personagem. Os romances também estão longe de soarem piegas, pois há sempre uma complexidade interessante de acompanhar por trás. Margaret Qualley tem uma presença explosiva, e entrega uma atuação que reforça mais uma vez o porquê de ser, hoje, uma das atrizes mais requisitadas de Hollywood. Sua personagem não é perfeita, e toma atitudes controversas e egoístas, mas é justamente isso que ajuda a reforçar sua humanidade.

Se há um ponto negativo, talvez seja sua reta final, quando o filme parece se prolongar além do necessário, comprometendo um pouco o ritmo de uma história que, até então, vinha sendo conduzida com bastante sensibilidade. No entanto, isso de forma alguma atrapalha o resultado final. Love of Your Life é, no fim das contas, um filme delicado e muito sensível sobre a capacidade de se reinventar.