Crítica: El Ser Querido (2026)

Quatro anos após o excelente As Bestas (2022), o cineasta espanhol Rodrigo Sorogoyen volta aos cinemas com mais um drama intenso sobre a natureza das relações humanas. El Ser Querido parte de uma premissa já explorada por outras obras recentes, como o vencedor do Oscar de melhor filme internacional, Valor Sentimental, para investigar os laços familiares, os ressentimentos acumulados ao longo dos anos e, principalmente, a dificuldade de reconstruir uma relação depois que a distância emocional se torna muito maior do que a própria distância física.

O filme começa com um reencontro entre pai e filha, treze anos após a última vez que haviam se visto. Ele é Esteban Martínez (Javier Bardem), um cineasta de sucesso, vencedor de dois Oscar, que deixou a Espanha há muitos anos para morar nos Estados Unidos. Ela é Emília (Victoria Luengo), uma aspirante a atriz que vem construindo sua carreira em séries pouco conhecidas da televisão. Mais do que a distância física, porém, o que se criou entre os dois foi uma distância emocional aparentemente impossível de ser revertida. Isso fica evidente desde a primeira conversa, quando os primeiros ressentimentos vêm à tona, mostrando que há feridas profundas demais para serem ignoradas e, sobretudo, uma história que nenhum dos dois parece disposto a revisitar com facilidade.

O encontro, no entanto, tem uma finalidade bastante clara: a fim de recuperar a relação com a filha e, segundo ele, ajudá-la na carreira, Esteban quer que ela seja a protagonista de seu novo filme, um épico ambicioso sobre a exploração colonial da Espanha no Saara Ocidental, com filmagem nas Ilhas Canárias. Logo, Emília, que até então ninguém sabia ser filha do cineasta (nem mesmo o google), se torna a figura central do novo filme do pai, que se passa nos anos 1930 e se chamará Desierto. A partir de então, passamos a acompanhar as filmagens do longa, em um esquema de "filme dentro do filme" que sempre me encanta no cinema. Aqui, porém, o recurso ganha uma dimensão ainda mais pessoal e íntima, já que o processo de produção é constantemente atravessado pela tensão desse reencontro marcado por traumas e ressentimentos.

Javier Bardem está impecável na pele de um personagem ambíguo, que alterna constantemente entre o cruel e o carismático; ora sendo compreensível e lidando bem com todos ao seu redor, ora se transformando em um completo descontrolado quando as coisas não saem como planejado. Cada linha de diálogo e cada olhar do ator ajudam a construir essa personalidade contraditória, fazendo com que nunca saibamos exatamente qual será sua próxima ação. Victoria Luengo também está muito bem como Emília, especialmente por interpretar uma personagem que não se entrega facilmente ao papel de vítima. A atriz consegue transmitir bem a ideia de uma personagem que parece estar sempre tentando decidir se vale a pena abrir novamente uma porta que passou treze anos fechada. Além do mais, Emília ainda precisa conviver com aquele paradigma incômodo de ser a "filha do diretor", o que faz com que todos os demais membros da equipe duvidem de sua capacidade de estar ali.

A fotografia é outro ponto alto do longa. O uso das paisagens das Ilhas Canárias resulta em imagens belíssimas, criando uma dimensão quase monumental para Desierto, que contrasta com a intimidade do conflito familiar que acontece nos bastidores. Por fim, El Ser Querido é um filme que encontra sua força justamente na compreensão de que algumas relações não podem simplesmente voltar ao ponto em que foram interrompidas, não importa o esforço que se faça para tanto. Afinal, treze anos de afastamento não desaparecem depois de algumas conversas, e o filme é inteligente ao não tratar essa reconciliação como um processo simples ou instantâneo.

Crítica: Fränk (2026)

Lembrando histórias clássicas e comoventes sobre amadurecimento, como Conta Comigo (1986) e Sempre Amigos (1998), Fränk marca a estreia do estoniano Tõnis Pill na direção de longas-metragens. Segundo o próprio diretor, o filme é baseado em um caso real e sombrio que marcou profundamente sua infância no interior da Estônia, quando, ainda menino, presenciou as trágicas consequências do bullying cometido por um grupo de garotos contra um homem com deficiência intelectual.

O filme acompanha Paul (Derek Leheste), um jovem que acaba de completar treze anos. Ele é levado da cidade grande pela mãe (Katariina Tamm) para passar alguns dias com o tio, Aivar (Märt Pius), em uma pacata cidade do interior. O motivo da viagem, porém, é mais complexo do que parece: o pai de Paul (Märt Avandi) é um homem violento e, após o garoto presenciar mais um episódio de violência doméstica, sua mãe decide mantê-lo afastado daquele ambiente até que as coisas se acalmem.

Dono de uma personalidade forte, acentuada pela dura realidade que enfrenta dentro de casa, Paul logo se aproxima de uma gangue de garotos da cidade, liderada por Jasper (Tõru Kannimäe). Eles passam o tempo livre perambulando pelas ruas, cheirando cola, bebendo álcool e praticando bullying contra Sasha (Oskar Seeman), um homem com deficiência intelectual e o rosto desfigurado, a quem os garotos chamam pejorativamente de “Frank”, em referência ao monstro de Frankenstein.

Apesar da “casca dura”, Paul demonstra ter um coração sensível e começa a se compadecer de Sasha. Primeiro por conveniência, ao perceber que pode usá-lo para conseguir cerveja no mercado; depois, por empatia, ao enxergar que, apesar de suas limitações, Sasha é um ser humano como qualquer outro, com seus próprios gostos, interesses e desejos. Enquanto mantém uma amizade secreta com ele, Paul ainda precisa provar ao grupo que não sente piedade, a fim de ser aceito, em um dilema bastante palpável, sobretudo em uma idade na qual a necessidade de pertencimento pode falar mais alto do que os próprios valores.

O filme toma novos rumos quando Paul e Jasper passam a brigar pela liderança do grupo, principalmente depois que um dos membros fica gravemente ferido por um ato de pura inconsequência de Jasper. O roteiro também passa a trabalhar com mais complexidade a personalidade deste personagem, mostrando que muito do seu comportamento raivoso e delinquente vem da relação com o pai, um homem rígido ao extremo. 

Desta forma, o filme constrói um retrato implacável de como o ambiente ao redor pode moldar não apenas o caráter de quem ainda está encontrando seu espaço no mundo, mas também a maneira como essa pessoa enxerga e trata aqueles que considera diferentes. No fundo, todos os personagens são vítimas antes de serem apenas agressores. Cada um carrega suas próprias dificuldades e histórias familiares complexas. Isso não serve para redimir seus atos, é claro, mas para levantar uma questão mais incômoda: até que ponto determinadas escolhas são realmente escolhas, e até que ponto são apenas reflexos daquilo que essas crianças aprenderam desde cedo?

O elenco, em grande parte formado por jovens atores, cumpre muito bem seu papel, enquanto a fotografia contribui para criar uma atmosfera convincente dos anos 1990. Fränk é um filme cru e pesado, mas que, acima de tudo, exala humanidade e sensibilidade. Embora derrape um pouco na reta final ao abraçar um sentimentalismo excessivo e um tom previsível de “mensagem inspiradora”, isso pouco compromete seu resultado. Tõnis Pill encontra força justamente ao observar seus personagens para além de seus atos, mostrando como violência, abandono e necessidade de pertencimento podem se entrelaçar durante uma fase tão determinante da vida.

Crítica: A Última Casa (2026)

O isolamento dentro de casa, o medo de faltar mantimentos, um perigo invisível rondando no ar, o tédio consumindo a convivência familiar e a longa espera de que tudo isso um dia acabe. Essas sensações fazem você lembrar de algum momento recente da nossa história? Pois em A Última Casa (The Last House), o diretor Louis Leterrier, mesmo que de forma implícita, recria aquela atmosfera que vivemos durante a pandemia de Covid-19, misturando elementos de ficção científica e terror, para mostrar uma família tentando sobreviver ao confinamento forçado e a uma ameaça mortal e assustadora.

O filme inicia com mais um dia aparentemente comum na vida do pescador Jason (Wagner Moura), que vai para casa após perceber uma tempestade se aproximando da costa. Quando ele, a esposa Ann (Greta Lee) e os dois filhos (Noah Alexander Sosnowski e Riley Chung) tentam sair de casa para ir ao mercado, descobrem que estão trancados. Todas as portas e janelas estão misteriosamente bloqueadas. Até mesmo os vidros se tornam inquebráveis e, não importa quanta força empreguem, nenhuma das saídas pode ser violada. Logo, eles percebem que os vizinhos estão na mesma situação, todos presos dentro de suas próprias casas, se comunicando através de cartazes e lousas. Por falar em comunicações, os sinais de internet e telefone estão fora do ar, potencializando ainda mais o sentimento de isolamento do mundo exterior.

Na primeira hora do filme, fica nítida a intenção do diretor em trabalhar este isolamento absoluto, e é justamente aí que o filme funciona melhor. Não é o primeiro, nem será o último longa a abordar o quanto somos dependentes da tecnologia e o quão caótica seria a vida se, de um dia para o outro, perdêssemos acesso a ela. Hoje em dia, sequer conhecemos quem são nossos vizinhos, enquanto acompanhamos a rotina e conhecemos os hobbies de pessoas que nunca vimos pessoalmente. A internet nos aproximou do mundo, mas paradoxalmente, nos distanciou de quem está perto, até mesmo de quem mora na mesma casa. É uma discussão recorrente, mas que continua pertinente.

Diante deste cenário, a família precisa reaprender a viver longe dos meios digitais. Telefones e tablets dão lugar a jogos de tabuleiro e passatempos manuais, como pintar e desenhar. Os streamings são substituídos pelos discos de vinil e DVDs, e pequenas práticas do dia a dia voltam a ser analógicas, até mesmo na tentativa de conseguir alimentos depois que os mantimentos chegam ao fim, como uma armadilha improvisada para capturar os animais que passam pelo pátio, lançada através de um buraco na chaminé. Enquanto isso, do lado de fora, uma criatura misteriosa começa a aparecer durante as tempestades, que se tornam diárias.

O problema é que, conforme os dias passam, as passagens de tempo aceleradas e a falta de uma ambientação mais cuidadosa entre elas tornam a experiência progressivamente cansativa. O filme abandona parte da interessante discussão sobre o confinamento para investir em uma abordagem mais convencional de sobrevivência, introduzindo também o velho clichê do pai “super-herói”, que, graças aos seus conhecimentos, consegue montar todo tipo de engenhoca para manter a família viva. Algumas dessas ferramentas funcionam dentro da lógica do filme, já outras parecem convenientemente forçadas, porque o roteiro precisa que elas funcionem. Ainda assim, a ameaça do lado de fora continua sendo suficiente para manter algum interesse, principalmente porque o longa demora a revelar o que, afinal, está acontecendo.

Talvez seja justamente por isso que seu desfecho decepciona tanto. Depois de construir a criatura, uma espécie de polvo gigante com vários tentáculos, como uma ameaça misteriosa e potencialmente aterrorizante, o roteiro escolhe um caminho preguiçoso para transformá-la em uma figura... empática. A tentativa de humanizar o grande “vilão” até poderia funcionar em outro contexto, mas aqui surge de maneira tão artificial que acaba produzindo uma das cenas mais patéticas que vi este ano no cinema, esvaziando completamente a sensação de ameaça que permeou o filme inteiro.

Por fim, A Última Casa pode não ser um respiro de originalidade, mas também está longe de ser um grande desastre. Sua premissa oferece boas possibilidades, especialmente quando o filme se concentra na experiência do confinamento e na maneira como uma família precisa reconstruir sua rotina. Pena que a história abandone parte desse potencial justamente quando começa a precisar de soluções mais criativas. Greta Lee e Wagner Moura sustentam o longa com atuações muito seguras, e fica bem claro que sem os dois, provavelmente A Última Casa teria descambado de vez. Foi por pouco.

Crítica: Corrida dos Bichos (2026)

O cineasta Fernando Meirelles soube como poucos abordar a realidade nua e crua do Rio de Janeiro em Cidade de Deus, filme que até hoje permanece cultuado como um dos grandes clássicos do cinema brasileiro. Depois do enorme sucesso, Meirelles foi construir sua carreira em produções internacionais, dirigindo ótimas obras como O Jardineiro Fiel, Ensaio Sobre a Cegueira e Dois Papas. Por conta disso, o seu mais novo trabalho, Corrida dos Bichos, naturalmente despertou boas expectativas por marcar o seu retorno, anos depois, ao local que foi tão importante para o início de sua carreira. O resultado, no entanto, é extremamente frustrante.

Dirigido por Meirelles em parceria com Rodrigo Pesavento e Ernesto Solis, o filme se passa em um futuro distópico no qual o Brasil foi devastado por uma grande catástrofe climática. Não há muita informação sobre o que de fato ocorreu, mas o Rio de Janeiro já não é mais o cartão postal que conhecemos, e a população sobrevivente vive quase inteiramente nos morros da cidade. Neste cenário meio "Mad Max", o jogo do bicho, um dos mais tradicionais meios de apostas ilegais do país, evoluiu sua dinâmica para algo mais animalesco (perdão pelo trocadilho): agora, a elite se diverte apostando em pessoas usando máscaras de animais, que arriscam a própria vida em corridas sangrentas pelas vielas e lajes das favelas. Enquanto isso, um grupo de rebeldes se esconde no chamado “perímetro", e tenta interferir nas corridas para acabar com essa prática desumana.

No papel, há material de sobra para construir uma boa distopia, especialmente por permitir ao filme explorar elementos muito particulares da realidade brasileira. O problema é que o roteiro não consegue transformar suas boas ideias em um universo que pareça minimamente interessante. A contextualização é apressada, a construção da atmosfera é inconsistente e praticamente tudo soa plástico e artificial. Em momento algum é possível se sentir verdadeiramente imerso dentro daquela realidade, e embora a história seja ambientada em um futuro pós-apocalíptico, a construção daquele mundo falha ao transmitir a sensação de que uma grande catástrofe realmente aconteceu.

É especialmente frustrante porque Meirelles já demonstrou saber trabalhar muito melhor com universos distópicos. Em Ensaio Sobre a Cegueira, por exemplo, a situação extraordinária servia como instrumento para investigar o comportamento humano diante do colapso das estruturas sociais. Aqui, porém, a distopia parece existir apenas como pano de fundo para as corridas. Os vilões são caricatos, os mocinhos não despertam interesse e a crítica social nunca encontra força suficiente para se sustentar. A ideia de uma elite utilizando o sofrimento das massas como entretenimento poderia render uma reflexão poderosa, como acontece em Jogos Vorazes, mas o filme não desenvolve esse conflito com a profundidade necessária. Afinal, é difícil construir personagens verdadeiramente antissistema quando o próprio sistema que eles pretendem combater é tão mal desenvolvido.

Consequentemente, as motivações dos personagens acabam esvaziadas por um roteiro que parece mais interessado em fazer a história avançar do que em explicar por que aquelas pessoas estão lutando. As cenas simplesmente se amontoam, muitas vezes sem uma conexão clara, enquanto personagens surgem e desaparecem sem receber sequer uma apresentação adequada. A resistência, por exemplo, nunca ganha um propósito realmente convincente e muitas vezes parece existir apenas para criar obstáculos aos corredores. Falta ao filme uma compreensão mais clara de seus próprios personagens, de seus conflitos e, principalmente, das razões que deveriam fazer o público se importar com aquela revolução.

O desperdício de elenco também é notório. Estamos falando de ótimos nomes como Rodrigo Santoro, Seu Jorge, Isis Valverde, Bruno Gagliasso e Silvero Pereira, todos com potencial para acrescentar muito à história, mas limitados por personagens que raramente ultrapassam o nível da caricatura. A pior escolha, entretanto, talvez seja a participação de Anitta como a apresentadora das corridas na televisão. Suas intervenções são carregadas de gírias e frases artificiais, do tipo "sabemos que esse jogo é ilegal, mas é disso que o povo gosta", que acabam retirando qualquer peso das situações apresentadas. Até mesmo o conflito entre os personagens de Isis Valverde e Bruno Gagliasso, membros da elite apostadora, e que deveria funcionar como um dos principais motores dramáticos da trama, é tão insosso que dificilmente pode ser encarado como uma verdadeira rivalidade. Já Rodrigo Santoro, colocado na posição de grande antagonista, parece tão perdido quanto o próprio roteiro em relação ao que deveria fazer com o personagem, mesmo que não lhe falte empenho. Porém, é difícil tirar leite de pedra.

Por fim, ao invés de funcionar como uma sátira da espetacularização da violência, Corrida dos Bichos é um enorme desperdício de potencial. A premissa é interessante, o universo poderia render uma ficção científica genuinamente brasileira e o elenco reúne nomes capazes de sustentar um filme muito mais ambicioso. Mas nada disso encontra respaldo em um roteiro que não sabe desenvolver seu mundo, seus personagens ou mesmo as críticas que pretende fazer. Uma distopia sem atmosfera, uma revolução sem propósito e um espetáculo que, ironicamente, nunca consegue convencer o espectador de que existe algo realmente em jogo. Ouso dizer que é o pior filme que vi no ano. Uma pena.

Crítica: Carolina Caroline (2026)

Bonnie & Clyde (1967) e Assassinos por Natureza (1994) são os primeiros filmes que me vêm à cabeça quando se fala de casais fora da lei em fugas eletrizantes pelas estradas dos Estados Unidos. Nitidamente bebendo da mesma fonte, Carolina Caroline, do diretor Adam Rehmeier, acompanha Caroline (Samara Weaving) e Oliver (Kyle Gallner), um casal que também mistura paixão e crime de maneira enérgica e pulsante.

Caroline vive em uma pacata cidade do Texas, trabalhando como "faz tudo" em uma loja de conveniência de um posto de estrada. Seu destino cruza com o do forasteiro Oliver quando ele chega ao local para fazer pequenas compras. Exímio golpista, Oliver engana o dono do posto fazendo um truque com uma nota de um dólar, e Caroline assiste tudo com uma certa admiração. Ela se sente atraída instantaneamente por ele, não só pelo crime em sim, mas por ele mostrar inteligência e sobretudo por ter um espírito livre, algo que ela inveja, já que nunca sequer saiu da cidade.

Unindo a vontade de sair da rotina pacata com o desejo de viajar pelo país, Caroline se apega a Oliver e quer que ele a ensine suas práticas criminosas para que ela possa ajudá-lo. Em conjunto, os dois começam a planejar crimes cada vez mais ousados, partindo de pequenos golpes financeiros para grandes assaltos a bancos. Enquanto isso, Caroline carrega um drama interno que se torna o principal motor emocional da narrativa: o desejo de conhecer a mãe, que lhe abandonou quando ela ainda era um bebê. Sendo assim, os planos do casal consistem em aplicar seus golpes enquanto atravessam o país rumo à Carolina do Sul, onde vive Deborah (Kyra Sedgwick), que, apesar de sua pequena participação, rouba a cena e funciona como um novo divisor de águas na vida da protagonista.

Ainda que o filme consiga prender a atenção até o fim, não dá para ignorar que sua progressão é bastante previsível e os clichês vão se amontoando a cada nova cena. A atuação de Samara Weaving também me soou excessivamente forçada, o que, em determinados momentos, torna algumas de suas reações menos naturais. Por sua vez, Kyle Gallner se mostra mais firme como um personagem carismático, que não soa como um criminoso qualquer e consegue transmitir certa ambiguidade. A trilha sonora country combina perfeitamente com a atmosfera da produção, enquanto as estradas, postos de gasolina e pequenas cidades americanas ajudam a construir uma identidade visual que remete aos road movies e aos filmes de perseguição criminal dos quais a obra claramente bebe.

Apesar dos problemas, Carolina Caroline, está longe de ser um filme descartável, sobretudo quando transforma a fuga da protagonista em uma espécie de jornada de auto descoberta. É, por fim, um filme que sabe das suas limitações, mas que mesmo assim não deixa de ser divertido e envolvente, sobretudo pela química dos seus protagonistas.