quarta-feira, 19 de junho de 2019

10 filmes para festejar o Dia do Cinema Nacional

19 de junho é o dia do cinema nacional, e para comemorar e homenagear a data segue uma lista com dez filmes brasileiros que mudaram a forma de ver o nosso cinema, tanto aqui como no exterior, e que também me marcaram muito. Confira:

1. Anjos do Sol (2006)

Anjos do Sol, do diretor Rudi Legerman, é um dos filmes mais pesados que já assisti na vida. O enredo conta a história de Maria, uma menina de 12 anos, advinda de uma família miserável do sertão nordestino, que é vendida pelos pais e levada a um prostíbulo no meio da Amazônia. O filme choca ao mostrar uma realidade que não chega até nós, mas que é bastante comum em diversas partes do país. De um lado uma família arrasada por ter que optar pela venda de uma filha para poder sustentar os demais, do outro, uma menina que, tão cedo, perde a esperança no ser-humano ao ser vítima de verdadeiras atrocidades. Não é um filme fácil, mas é um filme extremamente necessário.

2. Eles Não Usam Black-Tie (1981)

Esse filme se torna ainda mais interessante quando analisamos a época em que foi lançado, já nos últimos anos de uma ditadura militar que acabou com direitos de todos os cidadãos. Influenciado pelos inúmeros movimentos grevistas que começaram a eclodir na época, Eles Não Usam Black-Tie acompanha Tião, um jovem operário que sempre fez parte dos movimentos sindicais mas que prefere furar uma greve com medo de perder o emprego, já que sua mulher está grávida. Isso gera um enorme conflito com seu pai, um líder militante que chegou a ser preso pelos militares.

3. Central do Brasil (1998)

Sendo o filme brasileiro mais premiado e reconhecido no exterior, Central do Brasil é uma obra-prima do nosso cinema. O enredo acompanha Dora, uma ex-professora que ganha a vida escrevendo cartas para quem não sabe escrever no maior terminal ferroviário do Rio de Janeiro, a Central do Brasil. Um dia ela acaba conhecendo Josué, um menino de nove anos de idade que acaba de perder a mãe num acidente e está perdido, e junto com ele inicia uma jornada pelo nordeste para encontrar seu pai. Simplesmente o maior papel da maior atriz do nosso cinema, Fernanda Montenegro.

4. O Auto da Compadecida (2000)

A aventura de João Grilo e Chicó é unanimidade e não poderia faltar na lista. Pobres, vivendo no meio do sertão, os dois usam toda sua esperteza para ganhar a vida aplicando golpes, que acaba dando errado quando a vítima é um famoso cangaceiro da região. Num encontro quase idílico com Nossa Senhora Aparecida e Jesus Cristo, eles passam a rever a vida e seus costumes. Baseado no livro de Ariano Suassuna, O Auto da Compadecida é um dos filmes mais queridos por todos e uma obra genial do nosso cinema.

5. Teus Olhos Meus (2011)

Teus Olhos Meus, do diretor Caio Sóh, é um grande achado do cinema brasileiro atual. A trama acompanha Gil, um jovem músico de 20 anos cheio de sonhos e ideais, que alterna sua vida entre a música e a poesia. Expulso de casa por conta de seu estilo boêmio, Gil passa a vagar com seu violão pelas ruas do Rio de Janeiro até conhecer Otávio, um produtor musical que vai mudar sua vida de vez. Seu roteiro poético, seus diálogos e sobretudo a trilha sonora são o que verdadeiramente encantam nessa obra que, infelizmente, é pouco conhecida e reconhecida.

6. O Lobo Atrás da Porta (2013)

Quem disse que o cinema brasileiro não sabe criar uma obra intensa de suspense? O Lobo Atrás da Porta está aí pra provar o contrário. Com um roteiro cheio de reviravoltas, o filme inicia com o desaparecimento de uma criança, que faz com que seus pais vão até uma delegacia. Os dois depõe em separado e logo o delegado identifica que o marido possui uma amante, que também é chamada para depôr. É quando começa a ser descoberta uma rede de mentiras e vingança que, por mais que pareça, foge de todo e qualquer clichê.

7. Cidade de Deus (2002)

Outro filme brasileiro muito reverenciado no exterior é Cidade de Deus, filme que lançou o nome do diretor Fernando Meirelles para o mundo e concorreu a quatro Óscar. O enredo começa mostrando o nascimento das favelas do Rio de Janeiro nos anos 1970 até os dias atuais, acompanhando a figura de dois amigos que seguem destinos diferentes: Buscapé, um rapaz de bom coração que sonha ser fotógrafo, e Dadinho, que se torna um dos traficantes mais violentos da cidade.

8. Aquarius (2016)

Kléber Mendonça Filho é um dos nomes mais fortes e importantes do nosso cinema na atualidade, e não poderia deixar de citar um filme seu na lista. O enredo acompanha Clara, uma crítica de música aposentada de 65 anos, que é a única moradora de um condomínio que não aceita vender seu apartamento para uma construtora. Aquarius é, além de uma excelente crítica social, um verdadeiro tratado sobre a passagem do tempo e de tudo que acontece na vida de um ser-humano, que vai moldando seu caráter e sua visão de mundo ao longo dos anos. 

9. Tropa de Elite (2007)

Dirigido por José Padilha, Tropa de Elite é talvez o filme mais famoso dessa lista. Infelizmente muitos não levam a sério toda a crítica feita pelo filme, não dão muita atenção aos detalhes e até acham graça de algumas falas e cenas, mas é um dos filmes mais poderosos do nosso cinema quando se fala em crítica social. Padilha teve coragem de peitar instituições poderosas para mostrar os bastidores de uma realidade que a televisão mostrava todos os dias mas que a população, no geral, só conhecia de forma superficial.

10. Nise - O Coração da Loucura (2015)

Dirigido por Roberto Berliner, o filme é uma cinebiografia de Nise da Silveira, uma médica que mudou os rumos dos tratamentos psiquiátricos aplicados no Brasil. Insatisfeita com os métodos violentos e desumanos que eram usados para tratar a esquizofrenia nos anos 1950, Nise resolveu criar seu próprio método, utilizando música e arte e distribuindo amor ao invés de choques elétricos.

terça-feira, 18 de junho de 2019

Crítica: Filhas do Sol (2019)


O Festival Varilux de Cinema Francês, que ocorre anualmente no Brasil, sempre traz boas opções pra quem gosta de fugir do "mais do mesmo" dos cinemas, e o desse ano nos presenteou com uma das obras mais intensas que o cinema francês já criou em toda sua existência: Filhas do Sol (Les Filles du Soleil), da diretora Eva Husson.


Pela ótica da correspondente de guerra Mathilde (Emannuelle Bercot), o filme conta a história de um grupo de mulheres que sobreviveram a um massacre do Estado Islâmico na região do Curdistão e pegaram em armas para formar um exército de resistência. Com cenas de extrema intensidade, o enredo acompanha o dia-dia desse grupo e sua luta pela sobrevivência num território hostil, ao mesmo tempo em que flashbacks nos mostram a sofrida trajetória dessas mulheres guerreiras até chegar onde estão.

Todas personagens são importantes na trama, mas duas são essenciais: Bahar (Golshifteh Farahani), a protagonista, que lidera o grupo e sonha reencontrar seu filho que foi parar nas mãos dos terroristas, e a própria Mathilde, a repórter francesa que, assim como as mulheres que estão ali, também já perdeu muito com a guerra mas não desiste de tentar mostrar pro resto do mundo uma realidade que poucos se interessam em conhecer. A atuação das duas é de se bater palmas de pé, e há muito tempo que não via algo igual. Bahar, inclusive, é talvez a personagem feminina mais forte que eu já vi em toda minha vida.


Filhas do Sol é o tipo de filme que deixa cicatrizes pra vida toda em quem assiste e não há como fugir disso. Algumas cenas são verdadeiras obras de arte, como a "cena da dança", a "cena da fuga" e a cena dos créditos finais, essa última de brindar os olhos e lavar a alma, nos deixando a certeza de ter visto algo único. Perfeito, perfeito, perfeito. Mulheres, vida, liberdade! Vida longa ao cinema feito com alma.

sexta-feira, 14 de junho de 2019

Crítica: Graças a Deus (2019)


Baseado numa história real, o novo filme de François Ozon toca no polêmico assunto da pedofilia dentro da igreja católica, com intuito de mostrar as eternas sequelas que as vitimas acabam tendo de carregar e de criticar ferozmente a instituição por sempre passar pano e tentar diminuir os casos de abuso.



Três décadas depois de ser realocado para outro local, o padre Preynat (Bernard Verley) volta à cidade onde dava catequese para crianças nos anos 1980. Isso acaba trazendo novamente à tona as lembranças de Alexandre (Melvil Poupaud), um homem com seus 40 anos, casado e com filhos, que mesmo com o passar de tantos anos nunca esqueceu dos abusos sofridos pelo padre.

Na tentativa de finalmente buscar providências na justiça, Alexandre tenta encontrar outras pessoas que, como ele, também foram abusadas pelo mesmo homem. Nem todos querem lembrar dos ocorridos, é claro, porque as cicatrizes muitas vezes não fecham pela vida inteira, mas ainda assim, vai surgindo um grupo cada vez maior de pessoas unidas na causa. São diversos adultos, com a vida feita, mas que ainda sofrem com o trauma, mostrando como isso interfere pra sempre na vida das vítimas.



É interessante analisar que o padre em nenhum momento nega as acusações, pelo contrário, diz que fez tudo o que fez porque não achava que estava agindo errado. Isso é uma característica psicológica dos pedófilos, e o enredo aborda essa questão muito bem. Por fim, Graças a Deus tem uma direção competente e conta com ótimas atuações, e é com certeza o filme mais profundo até então da carreira de François Ozon.


segunda-feira, 27 de maio de 2019

Os Vencedores do Festival de Cannes 2019


Chegou ao fim nesse último sábado (25) a 72ª edição do Festival de Cannes, que consagrou com unanimidade o longa Parasite, do diretor sul-coreano Bong Joon-ho. O brasileiro Bacurau, de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, ficou com o prêmio do júri, juntamente com Les Misérables, de Lady Ly. Além de Bacurau, outro brasileiro também fez bonito foi A Vida Invisível de Eurídice Gusmão, que venceu na mostra Um Certo Olhar.

Os irmãos Jean-Pierre e Luc Dardenne voltaram ao festival sendo premiados como melhor direção por Young Ahmed. Quem também retornou ao tapete de Cannes foi o ator Antonio Banderas, escolhido melhor ator por Dor e Glória, de Pedro Almodóvar. Emily Beecham ficou com o prêmio de melhor atriz, por Little Joe, e Portrait of a Lady on Fire venceu como melhor roteiro. Confira os vencedores:

Cena de Parasite, premiado com a Palma de Ouro.
Palma de Ouro:
Parasite, de Bong Joon-ho

Prêmio do Júri:
Bacurau, de Kléber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, e Les Misérables, de Lady Ly.

Grande Prêmio:
Atlantique, de Mati Diop

Melhor Direção:
Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne, por Young Ahmed

Melhor Atriz:
Emily Beecham, por Little Joe

Melhor Ator:
Antonio Banderas, por Dor e Glória

Melhor Roteiro:
Portrait of a Lady on Fire, de Céline Sciamma

Camera D'or (Melhor filme de diretor estreante):
Nuestras Madres, de César Diaz

quarta-feira, 8 de maio de 2019

Crítica: Nunca Deixe de Lembrar (2019)


Representante da Alemanha no último Óscar de filme estrangeiro, Nunca Deixe de Lembrar (Werk Ohne Autor) é a odisseia de um artista desde sua infância na Alemanha Hitlerista até sua consagração na já Alemanha dividida pelo Muro de Berlim. Ao retratar cerca de 4 décadas da vida de Kurt Barnert, o filme viaja pela história do país e suas diversas mudanças sociais, que foram influenciando a vida e o estilo técnico do artista.


Burnert já nasceu com dom para pintura e sempre foi incentivado pela tia (Saskia Rosendahl), que o levava a exposições de arte. No entanto, sua vida tranquila na pacata Dresden mudou completamente com a intensificação da guerra, e ele foi obrigado a se mudar e deixar tudo para trás, inclusive se afastando da tia que o tratava como filho. 

Na adolescência, sua criatividade foi interrompida pelos nazistas, que achavam sua arte muito moderna, e depois de adulto, procurou refúgio na parte oriental da Alemanha, onde pintava apenas quadros de Realismo Socialista a mando dos soviéticos. Ainda que fosse sufocado por todos os lados, ele sempre procurou aprimorar sua própria personalidade artística ao longo dos anos, sempre influenciado pelas mudanças comportamentais da sociedade.


O filme, no entanto, não foca apenas na sua trajetória artística, mas é também uma aula sobre a arte moderna alemã, e a importância dela no cenário mundial. Além disso, mostra o lado humano do pintor, com suas relações interpessoais e principalmente seu grande amor por Ellie (Paula Beer), uma jovem idealista e cheia de vida.

O que mais encanta ao longo de todo o filme é certamente sua fotografia, unida a uma trilha sonora belíssima. Não há um defeito, não há uma crítica ruim a se fazer, pois é um trabalho impecável de direção e da parte técnica. As atuações também são exemplares. O enredo não se torna cansativo em nenhum momento, mesmo com suas longas 3 horas de duração, e tem cenas memoráveis, de beleza ímpar.


No filme há ainda espaço para uma crítica sobre a falta de incentivo às artes manuais, uma arte tão bonita que vai ficando cada vez mais defasada. Por fim, Nunca Deixe de Lembrar é mais do que uma homenagem ao artista e à arte em si, mas é também, como o próprio nome traduzido sugere, uma lembrança de como guerras podem afetar gerações e trazer consequências eternas na vida de um país.